25.12.11

La foto que no hice


La luz que entra por esta casa tiene ratos como de hada madrina. Hoy he dejado de hacer, con la cámara, cientos de fotos...

20.12.11

Fazal Sheikh

Fazal Sheikh es un funámbulo de eso que separa la vida de la muerte, de los que no están y los que sobrevivieron... no se sabe muy bien por qué.
Retratista de la dignidad de las personas que fueron borradas, literalmente, del mapa.

Cartier-Bresson abandonó Magnum en 1966, porque sentía que la televisión, la publicidad y los mecanismos de mercado alteraban la integridad de su oficio. Decía que existía un abismo entre las necesidades económicas de la sociedad de consumo y las exigencias que planteaban los que dan testimonio de nuestro tiempo. Fazal nos demuestra que impossible is nothing.

Slow down. Fazal nada a su ritmo, muy Cuarteto de Alejandría.

Cuando el tiempo deja de ocupar espacio, cada uno respira, libremente, a su manera.

Above Simran, Homeless shelter, Delhi, India, 2008. (©Fazal Sheikh/Courtesy of Steidl).

16.12.11

La foto que no hice

Denise Zola, fotografiada por su padre, Émile (1903)
Hay una chica en la escuela. Es mi chica de la escuela,  porque siempre la busco para mirarla de reojo. Es alta, de complexión fuerte, de pelo recio, oscuro, rizado y largo. Muy largo. Tiene una belleza muy peculiar, recién salida del siglo XIX. Parece Denise Zola.
Todos los días se me escapa ese retrato. No sé a qué estoy esperando...

Sube la temperatura

Pablo Almansa, para la campaña "Pastillas contra el dolor ajeno"
Estuve en charla que organizó cienojos con Pablo Almansa y Jorge Martínez. La sala estaba más que llena. De gente, de ganas, de ilusión. Estaba llena de vida. Pablo habló de su trabajo como fotógrafo editorial, su trabajo personal, de su trayectoria... pero lo que más me gustó de Pablo, lo que más me interesó, fue lo que no dijo, lo que calló. Notabas cómo la sala se iba cargado de afectos, como la crecida de un río. A nadie, creo, dejó indiferente. 

Jorge nos habló de su proyecto, genial, de "Pastillas contra el dolor ajeno" cómo se fraguó la idea y cómo está evolucionando su campaña.
Se hacía tarde, más que de costumbre, salimos de la sala y miraba las miradas mientras subíamos las escaleras que nos llevaban a la calle, escuchaba los comentarios y los carraspeos de garganta...

A veces, cuando se habla, se dice justo lo que se está callando, e involuntariamente, se genera un afecto en el interlocutor, que recoge lo que su contertulio no quiere tener dentro de sí. Sube la temperatura. Enfríate, si puedes. Ese será tu reto.

5.12.11

El hombre de la mirada de oro

Henri Cartier-Bresson, "Alberto Giacometti", París (1971).

"La fotografía nunca me ha interesado", esto decía Cartier-Bresson. Muchos lo tomaron como una excentricidad de artista, pero si miramos bien sus fotos y si leemos pausadamente sus textos, sería una incongruencia tomarse su postura a la ligera.

Cartier-Bresson no era frívolo, no tenía ese sentido del humor. Otro sí, ese no.
Budista sin saberlo, zahorí de la armonía. Tú ves la escena insólita, él resolvía operaciones algebraicas en plena calle y las inmortalizaba con su Leica... sombras, tangentes, diagonales, planos cartesianos... Era el hombre de la mirada de oro, de la mirada aurea.

Cartier-Bresson era pintor. Entre medias, hizo miles de fotografías, luego colgó su cámara y siguió pintando. Consideró la fotografía como una manera inmediata de pintar. Pintar el instante, pintar con el instinto.
Decía, con razón, que la fotografía es una acción inmediata y el dibujo, una reflexión. Por esos sus fotos, aparentemente tan insólitas y azarosas, eran fruto de su manera de estar en el mundo, de la medida perfecta, y de la espera. Saber esperar a que se produjera el instante decisivo. Como un camaleón que aguarda, pacientemente, al insecto que posa, distraído, justo delante de su lengua.



30.11.11

Una charla, 12 tweets.


Hace unos días estuve en una charla de Enric Mira, teórico de la fotografía. Habló de la importancia de pensar la fotografía. Os diré por qué en 12 tweets:

1.- Esta conferencia es una manera de hacer que cada uno piense en su trabajo (fotográfico).

2.- La publicidad es una radiografía de lo que está ocurriendo. Estas son dos campañas publicitarias. Y   entre ellas más de 100 años:

3.-Kodak, 1888, "You press the button. We do the rest".
  Sony, 2005, "Don´t think, shoot".

4.-En ambas nos vienen a decir que el acto de fotografiar no requiere de más habilidades, ni ideas que las necesarias para apretar el botón. #LC

5.- Se anuncia la muerte de la fotografía, pero al mismo tiempo se hacen millones de fotografías. #WTF

6.- La compulsión a hacer fotos, hace que éstas caigan en el marasmo de la insignificancia de la imagen. #estoesasí

7.- No se trata tanto de la calidad de la imagen, sino de la calidad de lo que queremos decir con la imagen.

8.- Nos dice Bill Jay que no hay arte sin pensamiento.

9.- La red está llena de álbumes de fotos. No basta con poner una foto tras otra, hace falta un proyecto que las respalde.

10.- Stieglitz decía que tenía una visión interna para la que buscaba equivalentes en forma de fotografía. Sin visión interna, no hay foto.

11.- Decía Minor White: "Siempre estoy fotografiándolo todo mentalmente para practicar. Es decir, siempre estoy pensándolo todo fotográficamente para practicar" #ponmeotracopa

12.-Es importante tener herramientas conceptuales que nos permitan comprender aquello que estamos haciendo.


Se le cayeron más perlas. Pero con 12 hemos hecho un buen collar.

Postmodernismo, postfotografía, postlost... post... Echaba de menos postear un rato. La vida real, a veces, me estorba demasiado.


28.11.11

Fotografiar del natural

Henri Cartier-Bresson,
"Detrás de la estación de Saint-Lazare", París, (1932).
Fogografiar es retener la respiración cuando todas nuestras facultades se conjugan ante la realidad huidiza; es entonces cuando la captación de la imagen supone una gran alegría física e intelectual.

Fotografiar es poner la cabeza, el ojo y el corazón ante un mismo punto de mira.

Fogografiar es comprender que la fotografía no puede separarse de otros medio de expresión visual. No de probar, ni afirmar la propia originalidad. Es un modo de gritar y de liberarse. Es una manera de vivir.

Para significar el mundo hay que sentirse implicado con lo que el visor destaca. Esta actitud exige concentración, disciplina del espíritu, sensibilidad y sentido de la geometría. La simplicidad de la expresión se consigue mediante una gran economía de medios. Hay que fotografiar siempre partiendo de un gran respeto por el tema y por uno mismo.

27.11.11

La Postfotografía

Thomas Mailaender, de la serie Extreme Tourism, (2008)
Esta vez se trata de Mailaender. Se llama Thomas, es capaz de pasear un bólido teledirigido por el Louvre; de ganar un montón de esos cheques enormes y patéticos que dan las corporaciones rodeado de flashes, ejecutivos y azafatas trajeados de granate eléctrico. De dejar un enorme mejillón de poliéster en una playa y avisar a la prensa del lugar para que documenten el extraño y repentino suceso;  de mandarle 20 fotos a Steve Young, fotógrafo de volcanes de Havaii para que, a cambio de 25$, le haga unos delirantes montajes de Thomas horneando una pizza entre la lava.
O de inventarse una familia e irse con los amigotes de pesca a la otra punta del mundo para huir del estrés de su nueva condición de padre e intentar conmover a  Marion, su enojada mujer, escribiéndole a diario para enseñarle sus trofeos y expresarle lo mucho que piensa en ella y en el bebé. De modelar horribles vasos de arcilla y estamparle fotos sacadas del quinto anillo de internet.

Me recuerda a ese humor de Nani Moretti en Caro Diario. Pero Thomas es un autor postfotográfico, apropiacionista y reciclador del exceso de imágenes que pueblan la nube para crear un discurso nuevo, agitando las consciencias acerca del uso que hacemos de nuestra imagen cuando la subimos a Internet.

Escribía Anne Tronche que lo que define nuestra modernidad más reciente es a menudo una imagen que afirma ser la imagen de una imagen.
Como dice Joan Fontcuberta: "la posibilidad de intervenir en la historia, aunque sea de forma insignificante, a partir de la alteración de algunos de sus documentos gráficos, parece un argumento irresistible".

Para Vila-Matas , la vida es demasiado corta para acumular experiencias, hay que robarlas.

Os recomiendo el Manifiesto Postfotográfico de Fontcuberta, presentado en Abril de 2011 en el Centro Cultural Puertas de Castilla de Murcia.  

23.11.11

Tonterías las Mínimas

A veces, me gusta mirar lo que hay por el desván. Me refiero a lo que existe más allá de la página cuarta de Google.

Hay frases que precipitan en tu cabeza, no se sabe muy bien por qué... o sí. El caso es que entran y ya no salen. De esas tengo dos, "La bestia está en el hangar, tirando drives con la izquierda".  N tiene los ojos más abiertos que el resto.

La misión de Joseph Raven es tirar del hilo, la nuestra, tirarle de la lengua. Hugo Erfurth ha sido el señuelo. El resultado, mucha gratitud.
Esta es la foto de todo el tiempo que le quieras dar:

Hugo Erfurth, "Knabenbildnis in Landschaft", (1906)

Apenas puntos de fuga, el sujeto está bien diferenciado del paisaje, extraordinariamente plano. Un ligero contrapicado, un ligero giro de hombros a la derecha. La mirada perdida, y tú, perdido detrás. 
Es una foto perfecta, cumple con todos los pesos, equilibrios y cruces de líneas imaginarias, que te atrevas a trazar. No hay peros. 
Entras por el cuello, subes por la cara y te cuelas en los ojos, que son el más allá. 
Siniestro, oscuro, inquietante, abismal. Cuántas películas y fotos hay detrás de esta foto. Volvamos a empezar. 

"No os creais nada del bucólico campo, ni de la bucólica India. No hay nada más cruel que el campo, ni más agresivo que la India". Esta era la segunda frase, que podía ser perfectamente el pie de esta foto. 

20.11.11

Lo que pasa en la calle

Google Street View-Jon Rafman, dela serie 9-Eyes
Me interesa muchísimo todo lo que pasa en la calle. Me gusta leer las  pintadas, escuchar las conversaciones y sobre todo mirar a la gente que va de un sitio a otro. Para mí es un #planazo.

El otro día Mónica nos dio una dirección de fotografía de calle, se llama In-Public.

Dice Nick Turpin que hay tres características obvias, pero importantes, a la hora de realizar Street Phtography. Una es cuidar al máximo el encuadre y la composición, no hay tiempo para mucho más, luego esto tiene que estar bien resuelto. La segunda es la capacidad de observar la conducta de los demás y de empatizar emocionalmente con el entorno. La tercera es saber mostrar esa mirada única, a veces surrealista que está en el día a día de cualquier calle.

Henri Cartier-Bresson lo llamó, el instante decisivo, es decir, alinear la cabeza, el ojo y el corazón sobre un mismo eje. 

Hace tiempo leí este post de Carlos Spottorno y me pareció fascinante. Sabéis de los cochecitos de Street View de Google, tienen incorporados un "ojo" con nueve cámaras que van echando fotos por doquier. Esas fotos se unen y hacen las panorámicas con las que tú te orientas (o curioseas) cuando pinchas en una calle cualquiera del mundo. En este caso no hay cabeza, ni ojo, ni corazón. Pero el multifacético canadiense Jon Rafman, viajó y viajó sin moverse de casa y tomó instantáneas de esas instantáneas, es decir, manzana + mayúscula + 3. Y se puso a editar, es decir, a seleccionar, coherencia, con criterio, esas fotografías.

Cualquiera puede hacer una buena foto, otra cosa es juntar varias y decir algo con todo eso. Jon, creó un "instante decisivo" con las fotos de un robot y lo llamó 9-Eyes. El resultado, desde luego, no te deja indiferente.

Hay quien todavía se escandaliza con esto. Decía Buda, o quien sea, que lo único constante es el cambio.
En 2008 se hicieron 80 BILLONES de imágenes al año. Están los que suben fotos sin parar y los que las reciclan con un discurso fascinante.

Cuanto más sabes, menos sabes. Esto te alarga infinitamente la vida...

18.11.11

La Sombra del Iceberg

1.- "Capa" en realidad es un nombre puramente comercial, detrás estaba la pareja formada por Gerda Taro  (nacida en Alemania) y Endre Ernö Friedman (de nacionalidad húngara). Robert Capa lo usaban ambos como pseudónimo.
Vienen a España durante la Guerra Civil, afiliados al bando republicano. Fueron dos de los reporteros más importantes del momento y sentaron las bases del fotoperiodismo actual. Gerda murió en la Gerra Civil Española arrollada por un tanque en Brunete. Ernö, sin embargo, todavía cubrió varios conflictos bélicos hasta que murió en Indochina por la explosión de una mina.

2.- Porque gracias a ellos, la Guerra Civil Española fue el primer conflicto cubierto día a día por un grupo de corresponsales y fotógrafos profesionales. Era la primera vez que se fotografiaba tan en primera línea de acción, la muerte en directo.
Además se mostraba al campesino español, sin recursos, luchando contra el fascismo.

3.- Ejecución en Saigón de Eddie Adams


     La niña afgana de Steve McCurry



     Che Guevara de Alberto Korda



4.- Se trata de corroborar la hipótesis de que la fotografía del miliciano muerto fue una puesta en escena. Para ello hacen un estudio de lugar, la hora del día en la que fue tomada la foto, un estudio forense de la fotografía del miliciano en el momento de su muerte. Todo apunta a que fue una puesta en escena para levantar la voz republicana en la lucha contra el fascismo.
 

17.11.11

Un tera y tres cajas

He estado echando cuentas. Toda mi vida cabe en 1Tb y tres cajas de cartón. Todavía es mucho.

Michael Wesely hace fotos con un tiempo de exposición que puede ser de varios años. Días que se  amontonan, se completan y se destruyen a la vez. El resultado es impredecible.

Decía en una entrevista que esas líneas que traza el sol en algunas de sus fotos, ponen nuestra existencia, a nuestro planeta, en contexto con el resto del Universo, coexistiendo con escalas de tiempo radicalmente distintas. Bailar con el más grande sin que te pise los pies.

Casi todo se me escapa de las manos, ahora sé que es una manera de estar en el mundo.

Michael Wesely. Esta foto fue tomada del 29 julio 1996-20 julio 1997, en una oficina. 







Michael Wesely




15.11.11

La foto que no hice

Las gemelas se han cortado el pelo. Sí, aún lo tienen largo, pero lo que las hacía dos mujeres y media era su melena hasta las rodillas. Sólo se tiene una bala, cada vez.

Prensa Rosa

Por muy pronto que lleguemos, siempre se nos adelanta alguien. Llegar el primero sabiendo que vas por detrás te da cinco años de vida.

Hoy ha salido el hikikomori de su guarida. Va a echarles una mano a los ingenieros de ese laboratorio japonés. Trajes llenos de sensores, un nuevo videojuego. Pero no llegan los primeros. Etienne-Jules Marey tocó casa hace 120 años.

Antes estaba el Conde Giuseppe Primoli, quizá el primer paparazzo. Ron Galella conquistó secretamente el corazón de Jackie Kennedy. Poses disimuladas, lenguaje de abanicos. La pareja perfecta.  

“Una ardilla podría recorrer España de norte a sur sin bajar de #terelu” @bocijaro, este tweet bien merece la portada de Interviú.


14.11.11

Preguntas al texto: Escuela de Düsserldorf

Thomas Ruff, de la serie Portraits  (1981)
1.- La Escuela de Düsserldorf se caracteriza, por la enseñanza, durante los treinta años de cátedra de los Becher, de una enseñanza liberal, en el sentido de que el alumno podía desarrollar su lenguaje iconográfico sin uniformes. Sin embargo, existía un elemento común, una impronta en la expresión artística del alumnado, un “sello Becher”, a pesar de que los caminos fotográficos que recorren sean muy distintos entre sí. La distancia, la objetividad, la sobriedad, pero al mismo tiempo sugerente llena de elementos que encierran un misterio, que hacen un silencio.

2.- La forman Bern y Hilla Becher, cuando a éste, en 1976 le dan la cátedra de fotografía artística (que fue la primera cátedra que se concede a esta disciplina en la historia de la escuela). El matrimonio Becher impartió clases en la escuela durante treinta años.
Esta tendencia fotográfica desapasionada viene dela mano de August Sander (1876-1964) fotógrafo alemán que por fuera de su estudio comercial, archivaba obra con un riguroso método medido al detalle, huyendo de la expresividad de los fotógrafos experimentalistas alemanes. Sander tenía tres conceptos guía: “ver, observar y pensar correctamente”. Retratos frontales de personas con sus utensilios que sugieren cuál es su profesión. La cara de los modelos enfocada minuciosamente.

8.11.11

La foto que no hice

Un retrato, una gemelas. El pelo, casi por las rodillas. Una ventana... Hellen van Meene me da vueltas y vueltas por la cabeza... aún estoy a tiempo.

6.11.11

Dosis Letal

Dicen que todo se puede explicar con los números.

Cien mil años luz es cerca. Tu derrota, a menudo es mi derrota. Hoy me siento como en casa.

Alec Soth decide que es un fotógrafo de libros, de cámara de placas, de cerrar el círculo y distancia adecuada.

No es mala cosa saber cuál es tu dosis letal. Hasta cuánto estás dispuesto a exponerte.
A veces, bajo el umbral.

Alec Soth, de la serie Broken Manual.

4.11.11

Cuestionario del texto 1

1.- Según Barthes, todas las artes imitativas contienen dos mensajes. Cuáles son y cuál es la paradoja que se plantea en torno a ellos. 


a.- Son el mensaje denotado, el analogon;  y el mensaje connotado, la forma en que el lector de ese mensaje ofrece su opinión al autor sobre el mensaje.

b.- Lo paradójico es que en fotografía, coexisten estos dos mensajes, pero uno de ellos no lleva código. El mensaje connotado se desarrolla a partir de un mensaje (denotado, analogon) sin código.

2.- Cuáles son los procedimientos de connotación que utiliza la fotografía y en qué se diferencian los tres primeros de los tres últimos. Intenta encontrar un ejemplo que ilustre cada uno de ellos.  


a.- Son seis: trucaje, pose, objetos, fotogenia, esteticismo y sintaxis.

b.- Se diferencian en que en los tres primeros (trucaje, pose y objetos) la connotación se produce por una modificación propia de la realidad, del mensaje denotado.

c.- Ejemplos ilustrativos:

TRUCAJE:
Trucaje fotográfico en la que aparecen Millard Tydings y Earl Bowder muy próximos entre sí. 

1.11.11

Fondo de Armario

Quizás, las mejores fotografías de Jean Louis Blondeau surgieron de la relación con Phillipe Petit. Quizás Jean Louis puso el ojo, la cámara, el encuadre... pero Petit las llenó de alma.
En lo alto de Notre Dame todos guardaban silencio. Jean Louis y Petit. Cada uno a lo suyo. Cómplices de una hazaña.
Nueva York fue otro cantar. Truco o trato. Ahora o nunca.

No pierdes lo que das. Es el verdadero fondo de armario.

¿Qué es lo primero que ves cuando te despiertas?



30.10.11

Temporada de Invierno


Estoy encantada con un libro de entrevistas que me recomendaron Mónica y River, "Creadores de Imágenes. Fotógrafos contemporáneos." La periodista Anne-Celine Jaeger reúne exquisitamente las voces de los fotógrafos y artistas más representativos del momento. Tú te sientas, lees, observas, piensas, disfrutas... una delicia.

Vuelvo de un viaje. Vi en tus ojos algo que no me gustó. No me creo lo que haces.








29.10.11

No-viembre

Fotógrafos documentalistas, mitad antropólogos. Profesionales independientes de cámara en mano y carretera y manta. De pueblo en pueblo, al encuentro de la fiesta, la procesión, un entierro o un corpus. El de Cristo, o de quien sea.

Todos los países tienen una España profunda, pero ellos la fotografiaron como nadie:
Koldo Chamorro (1949), Cristina García Rodero (1949), Cristóbal Hara (1946), Fernando Herráez (1948) y Ramón Zabalza (1938).

La miseria, la ignorancia, el miedo, el dolor. A mil metros por debajo de la realidad. Los Santos Inocentes. Con su lente, pura poesía.

Antonio Muñoz Molina. Palabra de honor. Me encantó este artículo, porque viene a cuento.

Llega noviembre. Miedo me da. Me vuelvo a la isla, en este bucle sin fin.

Cristina García Rodero




28.10.11

Michiko Kon

Oir colores, tu canción favorita resuena en el arco del paladar, el tacto del chocolate... Michiko Kon.

Fotos que huelen, el imperio de los sentidos, versión no vegetariana de Arcimboldo.
Hoy Mónica nos ha prestado Still Life, bodegones que te miran de reojo.

Buscar un referente. La vida por delante. Calle abajo, al encuentro de 20 años que doblaron la esquina y me dejaron inside out. Todo es posible.

Michiko Kon







27.10.11

Concursos de Fotografía

Tres toros tres. Ahí van:

1.- Primer Concurso Fotográfico Murcia al Aire Libre: su objetivo es dar a conocer al mundo esta Comunidad Autónoma. El tema de este año es "Parajes Naturales de Murcia". La fecha límite de entrega es hasta el 15 de Diciembre. Los premios no son en metálico, sino que consisten en una estancia de un fin de semana en una casa rural en la región (primer premio), un curso de kitesurf (para el segundo) y una sesión de spa en un balneario murciano para el tercer premio
Se aceptan un máximo de tres fotos por participante.
Aquí os dejo el link

2.- El Concurso Nacional Caminos de Hierro va por su vigésimo sexta edición. El plazo de presentación de fotografías permanecerá abierto hasta el 11 de noviembre.
Os dejo aquí las bases, del concurso. Los premios son en metálico, hay tres premios (1º, 2º y Premio Autor Joven), además de diez accésit de 400 euros por obra.

3.- Concurso Internacional Memorial Maria Luisa. Es un concurso de fotografía de naturaleza, que no me pone especialmente. Pero las bases son bastante justas, ojo con esto.
Los premios son en metálico y aún está abierto el plazo de inscripción (finaliza el 1 de diciembre)

Fotografía perteneciente a la edición n 24 del concurso "Caminos de Hierro", (2010)

El Salón de las Palabras

¿Es capaz la fotografía de captar la esencia de la realidad?, ¿es el retrato el espejo del alma?, ¿es verdad que una imagen vale más que mil palabras?.
No voy a ser yo quien te responda, porque cada uno escucha desde su teoría. Afinas el oído como puedes,  no hay tanta voluntad en eso.

El otro día, en Albarracín, decía García-Alix que no creía que una imagen valiera más que mil palabras. Aberto es una persona muy verbal. Lo dice todo cuando habla y casi todo cuando escribe. Sus fotos dicen lo justo. Ni una palabra más.

A cada cual su estilo. El estilo es la manera que tenemos de relacionarnos con el mundo. Está Philip-Lorca DiCorcia, que a todo le da la vuelta. Twister brother.

Exquisito del Boston exquisito, educado en los mejores colegios, Yale a sus pies.
Obtuvo una beca de la Fundación para las Artes del Gobierno de Estados Unidos, y cómo no, se puso del revés.

DiCorcia merodeaba por las calles de Santa Mónica Blvd., cuando encontraba un lugar que le gustaba, él y su ayudante preparaban el decorado: luces, trípode, cámara... luego buscaba a un chapero y lo contrataba para que posara en su escenario. 20$ por servicio. Pura transacción económica que costeaba con el dinero que el Gobierno americano destinó para su beca. El pie de foto era el nombre del chapero, su ciudad natal y su tarifa. El resultado, la serie "Hollywood" (1990).

Las fotografías de esta serie muestran una realidad. No son personas, sino bienes de consumo. Etiquetas, estereotipos, productos de la estética publicitaria. Son otra forma de mirar el alma de las personas, de tirar la moneda al fondo del pozo.

Philip-Lorca DiCorcia, de la serie Hollywood, (1990)




We are a Family

Larry Sultan, de la serie Pictures from Home, (1983-1991)
Preguntas:
1.- ¿Cuál es la pregunta sobre la que se articula el guión?


Plantea la cuestión de si los fotógrafos se aprovechan de lo que están fotografiando, en qué medida es lícito meterse en la intimidad de los retratados.

2.-  En qué se diferencia el trabajo de Diane Arbus y Nam Goldin


En definitiva, Arbus y Goldin se cuestionan qué es "lo normal", la una fotografiando lo que es convencionalmente normal y la otra haciendo justamente lo contrario. Arbus no está integrada en lo que fotografía, para ella todo lo que fotografía es extraño, ella está fuera. Goldin, sin embargo, está dentro, se siente parte de lo que está fotografiando. Goldin quiere que todo el mundo vea su vida, desea compartirla.

19.10.11

Carta a los Reyes Magos

Es alemana, se llama Isolette, es de Agfa, de los años 1950-60 (depende del modelo).
Es una cámara de medio formato (6x6), para llevarla a todas partes. Os acordais de las cámaras de juguete que vendían en las ferias?, que disparabas y te salía un monigote del objetivo?... pues esta es la idea, pero de verdad.
Aprietas un botón y te sale el objetivo con un precioso fuelle, que te puedes tunear en cuero de colores.
No tiene telémetro acoplado (para medir la distancia al objeto), tienes que hacerlo de forma manual, lo cual lo hace más encantadora aún.
¿Se puede ser más friki?
Voy a escribir la carta.

Mirad este blog, aquí podréis encontrar más detalles.

Agfa Isolette III

14.10.11

Somos como éramos

"La fotografía no recoge nunca el presente. El presente cambia constantemente. Un vez que suena el clic, ya estás en el pasado. Lo específico de la fotografía es la noticia del pasado, la transmisión del recuerdo. Por eso lleva consigo una carga tan grande de melancolía y de fatalidad. No somos como somos. Somos como éramos. Y si ya no te acuerdas de cómo eras, la locura está cerca".

Alberto García-Alix.
El melancólico más listo de la clase.


Moriremos mirando...

Ya sabréis lo recurrente que ha sido la naturaleza muerta a lo largo de la historia del arte. Supongo que imaginareis también, que cuando se inventó la fotografía, las cámaras no eran precisamente instantáneas, se tardaba un buen rato en hacer una foto, de manera que al principio, era muy difícil retratar una persona o cualquier sujeto vivo, a menos que pudiera aguantar la respiración durante muchos minutos…

Así, el fotógrafo recurría a paisajes y naturalezas muertas asegurándose de que nadie se le iba a quejar si estaba más de un cuarto de hora sin parpadear.

En estos últimos 30 años, la fotografía ha retomado temas clásicos y que dejaron de tener un interés formal en la pintura. En cierta medida la fotografía recicla temáticas artísticas llenándolas de sentido y de interés. Tal es el caso de la naturaleza muerta.

Os dejo algunas fotografías y enlaces para que miréis y miréis, porque, como dice nuestro querido García-Alix, “moriremos mirando”.

 Holger Niehaus (os lo linkeo con esta web que me encanta)

Holger Niehaus, Untitled, (2000)


Teoría fotográfica

Del libro "Fotografía. Conceptos y procedimientos" de Joan Fontcuberta.
Algunas preguntas sobre el texto, para empezar a trabajar:

1. ¿Cuáles son las dos principales líneas de acercamiento al hecho fotográfico, según Fontcuberta, partiendo de la definición de Gombrich?
Gombrich se pregunta cuándo una imagen es más o menos fotográfica. Para debatirlo, propone dos líneas de acercamiento desde dos enfoques distintos, por un lado la génesis tecnológica y por el otro un criterio de funcionalidad. Es decir, cómo se hace la foto y para qué se hace.

13.10.11

A dos metros de tí

De repente te das cuenta porque alguien que aprecias te lo dice. Te das cuenta además, porque tú estás en sintonía contigo y con el otro... entonces se te cae el mundo encima, otra vez.
Lo peor tampoco es para tanto.
Estoy a dos metros del suelo.

Pepa González (2011) 

Una cosa nos lleva a la otra

Revisando las fotos del iPhone, Mónica me comentó que Luis Baylón tenía esta serie: "par de dos". Me pareció encantadora, a ver qué os parece a vosotros...

Luis Baylón, sin título, de la serie Par de dos (1990)

10.10.11

La foto que no hice

Porque me encanta esta foto. Hoy, es la foto que me gustaría hacer.

Jean Baptiste Mondino, (2009)


8.10.11

No cierres el círculo

Me formé concienzudamente en una cosa y la vida me ha llevado por otro sitio. O no…
Desde aquí sigues los pasos. Sólo puede ser a tu ritmo, no vale otra cosa.

Hoy he visto una cara. La cara me ha llevado a una escena. La escena me ha devuelto a Angela Strassheim. No cierro el círculo.

Carmen Marí nos hizo una foto. La miro todos los días varias veces desde hace ocho años… 
Hoy sé que no es por casualidad. Necesito completar la serie.

 
Angela Strassheim, Untitled, de la serie Left Behind (2004)

7.10.11

La foto que no hice

Hace un minuto. Llevaba una compacta, pero se acabó la batería. Como unos 12 niños, todos mirando por la rendija de debajo del portón del colegio. Cientos de ojos atentos a algo de fuera... se me escapó.

Amparo Garrido

Ver y callar. Cada vez que visito su web conecto. ¿Con qué? No lo sé.
Sé que conecto con algo de muy muy atrás. Antes de la primera palabra.
De lo que no puedo hablar.

Amparo Garrido, de la serie Sobre perros, la mirada y el deseo (1998).

La foto que no hice

Me acaba de pasar... estaba mirando por la ventana a la calle... cinco pisos, justo debajo de mí, paseando, dos dueños y dos perros exactamente iguales. Difícil de explicar, pero la imagen era preciosa.

Bye Jobs

Supongo que ya lo habréis visto... pero no podía no colgarlo.



6.10.11

Trent Parke

La calle no sería la misma sin Trent Parke:



Thank You


Esta es la historia de un portazo en las narices. De ser fiel a tu propio tú. Del poder de reinvención. Llamas a la puerta. Toc toc. Otra vez.
Los Americanos, de Robert Frank surgió así. Libro imprescindible para el amante de la fotografía.

Judío suizo, escribe una carta para optar a la Beca de la Fundación George Simon Guggenheim Memorial. Hoy, una carta, no es armamento suficiente para ser becado. Pero, thanks God!, a él se le abrieron las puertas, y con él a nosotros.
Los Americanos, de Robert Frank, no tiene desperdicio.

Con el dinero de esa beca se compra un coche de segunda mano para recorrer Estados Unidos. De ahí salieron 83.000 fotos.

Los que les dieron la beca se escandalizaron, ¡esas no eran las fotos que esperaban!, pero él fue fiel a sí mismo y retrató lo que vio. Y vio contrastes, esperanza, soledad, inmovilismo, ignorancia. Alta poesía.
Conoció a Kerouak, que se quedó prendado de esas fotos y decidió hacerle los textos. Publica apenas 80.

Leo los tweets sobre la muerte de Steve Jobs, observo la reacción de la persona que hay detrás de mi time line. Cada reacción es una forma de relación. Todos tenemos nuestro propio story board, lo quieras o no.

Decía Jobs, que la mayoría de las veces, la gente no sabe lo que quiere hasta que se lo enseñas.

Thank you, es un libro de gratitud. Centenares de personas escriben a Frank para darle las gracias por Los Americanos. Él, en respuesta, las selecciona, las reúne y las edita. Ni una solo foto suya. Lo abres. Nudo en la garganta.

De todos los tweets  de hoy sobre Jobs, me quedo con este:
“thank you for giving us anhother way to ignore our parents”.

Cambio “padres” por “hijos” y te doy, doblemente, las gracias. 

5.10.11

De la fotografía como arte, al arte como fotografía

 Gregory Crewdson, "Biref Encounter"
Hay nombres que marcan más que otros, no es lo mismo llamarse Tiburcia que Marina. Tiburcia, ligar con tu nombre debe ser un meritazo. Nombres que dejan huella. (Lo dice una, que por desgracia, sabe de lo que habla).

La fotografía, durante décadas, se ha considerado la hermana pequeña de la pintura. Su nombre, acuñado por Herschel, tampoco ayudó mucho, “pintar con luz”.

En cierta medida, la fotografía no emerge directamente del cuerpo, como lo hace la pintura. Mano, lápiz, papel. Sino que la máquina, el químico, los píxeles… según los modos de ver, neutralizan la expresividad del artista. El debate está servido.

3.10.11

La Escuela de Düserldorff

Esta es la historia de un encuentro, quizás no fue un encuentro fortuito. Es la historia de dos vidas que tarde o temprano tenían que converger. Hablo de Bernd Becher (1932-2007) y Hilla Becher (1934), ambos eran estudiantes en la prestigiosa Academia de las Artes de Düserldorff, al poco de conocerse, allá por 1957, empezaron a trabajar juntos en la documentación fotográfica de la arquitectura industrial. Ambos practicaban una fotografía con un impecable rigor documental. La asepsia y la objetividad de su mirada, potenciada por el exquisito blanco y negro de sus imágenes, fue el fundamento estético del trabajo de este matrimonio.

Una concepción fotográfica con sello propio. Fotografías de torres de agua, depósitos de gas, hornos de cal, silos de cereales, naves de fábricas… Cielos grises, lo suficientemente iluminados para centrar la mirada en cada detalle del objeto de la imagen. Ni más ni menos.

En sus fotos no se muestra el entorno donde se encuentran esas edificaciones, no interesa, nos desviríamos del objeto de estudio.

Si tuviera que definirlos con una palabra sería “RIGOR”. Un rigor llevado al extremo. Una mirada quirúrgica que creó escuela cuando Bernd Becher acepta la cátedra en la Academia de las Artes de Düserldorff en 1976, con la condición de que la docencia no le impidiera seguir esta labor documental a la pareja.

1.10.11

Usted pulse el botón, nosotros hacemos el resto

Quién nos iba a decir que este eslogan de 1888 iba a estar tan vigente a día de hoy. George Eastman lo supo desde el principio.

Este inventor, empresario y sobre todo gran visionario fue el padre de la popularización de la fotografía. Eastman fundó la Kodak (Eastman Kodak Comany) allá por 1881 con Henry Strong, en Rochester (Nueva York).

Tuvo la brillante idea de crear una cámara de fotos, pequeña y fácil de usar (tenía una lente fija) que comercializó en 1888 con el nombre de Kodak Nº1, acompañada del enorme eslogan “You press the button- We do the rest”.

12.9.11

Catherine Opie

Nada de lo humano nos es ajeno, el hecho de tener una cámara entre las manos denota este interés antropológico. Qué nos pasa, cuándo nos pasa, cómo éramos, click, un segundo atrás. Atrapados en el tiempo.

Catharine Opie se ha vivido con esta curiosidad desde que tiene uso de razón, antes incluso de coger su primera cámara allá por 1970, con sólo 9 años.

Es una autora, quizás influida por Ansel Adams, con la firme convicción de que la fotografía, la imagen, puede ayudar a cambiar el curso de las cosas. Creo que el acto fotográfico es un acto de toma de conciencia. Tomar conciencia, ya es cambiar el curso de las cosas.

14.7.11

Thomas Struth

Si me dieran a elegir entre todos los trabajos de Struth, sin duda me quedaría con “Family Life”, un proyecto que empezó de la mano del psicoanalista Ingo Hartmann en los años ochenta. Ingo tenía la costumbre de pedirle al paciente 4 ó 5 fotografías con el pretexto de hacerse una idea de cómo era él y su familia en la infancia. Esta particular costumbre, acabó siendo un proyecto fotográfico que a día de hoy sigue creciendo.

Struth retrata (entre otras muchas cosas) familias, gente que conoce, amigos, clientes. Podía hacer más de 60 negativos de los que, junto a sus “modelos”, seleccionaba uno o dos que serían los que después se ampliarían.

La disposición de cada uno en la fotografía no está hecha al azar, sino que cada miembro del grupo familiar te está hablando de su mundo relacional, de todo ese complejo entramado de relaciones que tiene con los demás miembros y sobre todo contigo. Ese al que estás mirando, en silencio te está posicionando con respecto a él, haciéndote jugar un rol… y tú sin darte cuenta has entrado al trapo, intentas ver quién es ese en su mundo, pero en realidad se te ha colado dentro y buscas a ver con quién te identificas y cuál es el que repudias. Tus filias y tus fobias. Claro, que luego viene Lacan y titula uno de sus seminarios "Tú eres ese a quien odias" y te deja pensando.

3.7.11

Sobre Alberto García-Alix

Alberto García Alix (autorretrato)

Sabía que este encuentro iba a ser mucho más que un encuentro fotográfico.
Mitómana a ratos, #yoconfieso, conocer a una persona que está en tu ventrículo izquierdo no es algo que me apetezca de entrada. Para qué mentir, la fantasía me pone.

Era el momento de leer a Patti Smith, conviene entonarse. Disfruté viajando con ella.
En Figueres nos esperaba Alberto. Intenso, libre, generoso, gran tímido y siempre, siempre jugando. Pura vida.

El instinto se le adelanta dos o tres pasos, luego llega él..., o no.
Melancólico en sus ratos libres. El desafío lo pellizca y lo pone del revés.
Días contados. Dos telediarios. Entre tanto, levantamos un sueño.
Sostener la ilusión. Tai chi.

Donde yo vivía había una enorme pintada: “SE VEAD”, quería venderlo. No sabía escribir, pero medio se acordó de qué letras tenía que juntar para hacerlo. Dio en el clavo, sin rodeos. Fotografía que “huele y duele”.

Los carburadores. Ese gran invento.

26.6.11

No tan perdidos (sobre Rosa y Bleda)

Conocí a Bleda y Rosa gracias a C. Esta pareja de artistas que juegan hábilmente con el tiempo y la memoria, con la soledad, el encuentro y el desencuentro, con lo que parece y lo que es… lugares de paso.

Otra vez he vuelto a sus fotografías, ahora más que nunca, después de Lost. Lugares desolados, de aparente simpleza, aquí y ahora y allá y entonces.
Creemos ubicarnos con la memoria, que casi siempre nos es infiel. Ahora sigo el rastro, que me dice mucho más.

No sé que pienso de Lost porque su onda expansiva aún no ha dejado de correr y no puedo calcular el efecto. No me importa, dejemos al inconsciente trabajar por nosotros, lo hará mejor.

Me gustan las historias abiertas, como Campos de Fútbol, Campos de Batalla, Ciudades, Origen… de Rosa y Bleda, historias que trascienden más allá del marco que las encuadra. Imágenes que te invitan a subirte a tu propio inconsciente y que emocionalmente te llevan como en un vagón de feria, a un subterráneo emocional. Tu memoria intenta traducirte esas fotografías, colocarte en un lugar en el tiempo, pero da igual, déjate llevar, porque ya no te riges por tu cerebro y crees estar perdido. Fíate ahora, ese eres tú de verdad.

Bleda y Rosa, "Casas de Lázaro", de la serie Campos de Fútbol  (1993)